Cómo llegar al día de la grabación

El momento de grabar un disco es muy importante para una banda o solista. Ese disco va a ser como la carta de presentación del artista. Y en cuanto al baterista, generalmente es el primero en pasar por el estudio.
Sobre la base que toque el baterista se armaran los demás instrumentos y por eso es importante que todo salga lo mejor posible. Hay que lograr tocar con tempo, precisión y buen sonido.

A continuación te dejo unos consejos para te llegue ese día soñado.

Trabaja con metrónomo o también conocido como click. Para una grabación bien hecha es casi imprescindible que todo encaje en la grilla. El tocar y practicar con metrónomo te hará la tarea más fácil cuando tengas que grabar.

La banda tiene que tener bien definida la forma del tema a grabar. En el estudio de grabación cada hora cuesta mucho dinero. Y no puedes estar perdiendo el tiempo cambiando a ultimo momento la estructura de una canción y aprendértela en el momento. Ademas esto puede llevar a errores de ejecución.

Nunca lleves para grabar, instrumentos que nunca usas. Usa tus instrumentos, los que ya conoces bien. Tu cuerpo ya esta acostumbrado a una configuración, al peso de tus platos y al agarre de tus palos. Eso ayudara a que toques mas relajado.

Fíjate que no haya mucha gente dando vueltas por el estudio. Personas pululando por el lugar pueden causarte distracciones. No hace falta que estén todos los miembros de la banda en todas las etapas de la grabación.

Come y bebe liviano antes de ir a tocar. Eso te evitara que estés pesado y tu reacciones sean lentas.

Lleva un track del tema como referencia. No conviene que la referencia la este tocando otro de los músicos a la par tuya. Lo mejor es una referencia previamente grabada con click y si te es posible ya practicada.

Espero que estos consejos te sirvan y los pongas en practica la próxima vez que vayas a grabar. Que otros tips agregarías? Deja tus comentarios. Saludos!

Cómo microfonear mi batería? (parte 1)

Hola gente percusiva!!! Que tengan un feliz año nuevo y un 2017 lleno de música y recitales!!!
Hace tiempo que no escribía, por suerte por una buena razón. Estuve estudiando mucho, tocando en nuevos proyectos, trabajando y lo más importante es que conseguí alcanzar una meta que me propuse el año pasado: tener mi propio Home Studio. Lo que estuve estudiando mucho es un curso de ingeniería de sonido y producción musical en un instituto llamado Inartec. Así que tengo muchas cosas nuevas para mostrarles. Empezamos!!

Hoy te voy a hablar de cómo se toma un tambor. En principio tenemos que tener en cuenta dos cosas sobre el redoblante:

1. Es un instrumento que produce una alta presión sonora; y
2. Tiene otros instrumentos alrededor y muy cerca que también van a estar produciendo sonidos.

Para la primer situación se suele elegir micrófonos de tipo dinámico , ya que éstos son resistentes a presiones sonoras altas ( y algún que otro baquetazo...). Y para que tome lo menos posible a los demás instrumentos como Hi-hat, toms, etc, lo ideal es que el mic sea de patrón polar cardioide y por el poco lugar además que sea de diafragma chico. Los mics cardioides toman muy bien lo que tienen delante, pero no tienen buena sensibilidad hacia los costados y atrás.
El micrófono por excelencia y más utilizado para este propósito (y muchos otros más) es el todo-terreno Shure SM57 (pueden usarse otros obviamente, pero este es el mas conocido y re contra ultra archi usado).

Ahora, en qué posición deberíamos ponerlo? Puede ir anclado al aro del tambor mediante un clamp o desde un pie de micrófono. Esto depende del lugar del que disponemos. Debe apuntar al centro o casi centro del parche con una inclinación de unos 45º aproximadamente.

También pueden usar un segundo micrófono, como muestra la foto. Esto puede servir para dar alguna textura o sonoridad especial. Acá no hay reglas absolutas, la cosa va de prueba y error en busca del sonido deseado.

Además, si quieres tener una toma de la bordona, puedes colocar otro SM57 (u otro mic) apuntado desde abajo. Esto te permitirá jugar con la combinación del parche batidor y el bordonero en el sonido final de la toma del tambor. Para tener el mejor sonido posible hay que tener en cuenta la cancelación de fase, pero eso lo veremos en otro post.

En la próxima entrada seguimos con el bombo y los toms. Hasta la próxima y saludos para todos!!!

CÓMO EVITAR ROMPER LOS PLATILLOS

Hace 12 años que toco y nunca rompí un plato. Cientos de fechas en vivo y nunca tuve la desgracia. Pero veo cada vez más bateristas en Facebook que muestran fotos de sus platos recientemente comprados rajados, partidos, doblados, etc. 

Mis humildes recomendaciones:

1.No ajustar demasiado las mariposa, si el plato no puede moverse y vibrar libremente hay muchas posibilidades que descargue la presión del golpe rajándose.

2.No ajustar mucho el tilter. Mismo concepto que el anterior pero aplicado al hi hat. 

3.No poner los platos horizontales. Tampoco muy verticales. Es para evitar pegarles de canto o que la inclinación no le permita moverse libre al plato.

4.Siempre pegarle hacia un costado (no atacar recto el plato). Evita que el golpe sea directo, para que no se descargue en el plato la presión.

5.Llevar gomas de reemplazo para las roscas, así mantenemos el ojo intacto, es una solución muy económica y evitarás dolores de cabeza. También puedes comprar unos protectores para platos. Hay diferentes marcas.

6.Jamas prestar los platos a un desconocido. Puedes quedar como mal colega, pero mantendrás seguros a tus tesoros. Quién los va a cuidar mejor que vos?

Ahora, si ya te sucedió lo que puedes hacer es llevar a reparar tu plato, en el caso que aún tenga salvación:

Una de las posibles soluciones es, con una agujereadora perforar en los extremos de la rajadura, para evitar que esta siga creciendo.

Otra es, si la fisura se encuentra en el borde, cortar en forma de medialuna fijandote que quede sin grietas pequeñas.

 También puedes recortar el plato y dejarlo de una medida más chica.

O transformar tu crash en un plato de efecto al estilo gospel. Ten en cuenta que siempre que le estés quitando material al plato se está modificando su sonido. 

¿Qué otros consejos agregarías? Comenta con tus experiencias con respecto al tema. Nos vemos la próxima!!

LA MEMORIA MOTORA

Muy seguido nos pasa que tenemos que tocar en una bateria que no es la nuestra, y no mostramos la misma fluidez y habilidad. Lo mismo puede pasar cuando andamos moviendo nuestro instrumento de un lugar a otro y no nos es posible armarlo de la forma que acostumbramos.

Tocar la batería no es solamente un conjunto de secuencias bien aprendidas, sino un juego de movimientos coordinados que consiste en aplicar fuerza a diferentes superficies, desde y hacia posiciones variables. La Memoria Motora toma en cuenta todos estos factores, entre los cuales se encuentran:

• peso y largo de los palillos
• ubicación de los soportes
• resistencia de los pedales
• distancia, altura y angulo de los tambores (redoblante, bombo y tones) y platos
• altura y angulo del mazo del bombo
• altura de la banqueta y su distancia al bombo
• altura y apertura de los platos del hi-hat
• tensión de los parches

Encima, la batería es el instrumento musical más personal que pueda existir, ya que nadie tiene otra exactamente igual a la nuestra. Basta con que cambie la posición de alguna pieza, el tamaño de un platillo o la afinación, para que toda la experiencia se convierta en algo distinto. Pero siempre se puede hacer algo por reducir el efecto de andarla armando y desarmando.

Lo primero es hacernos de una libretita, un lápiz, una escuadra angulada y una cinta métrica. Hay que tomar apunte de todo lo que pueda afectar en nuestro toque, fijándose en los items señalados anteriormente.

Otro método es contar siempre con memory locks en cada pieza que lo permita. Esto se aplica a los soportes del tambor y de los platos, los tom holders y el  mazo del bombo.

Una buena opción es conseguir una alfombra en la que podamos marcar con tinta indeleble la ubicación de cada uno de los soportes, los pedales, la banqueta y el bombo. Obviamente, dicha alfombra debe trasladarse a cada sitio donde debamos presentarnos.

En lo que respecta a los palillos, siempre es bueno contar con un buen número de baquetas del tipo que nos resulte más cómodo. Y en cuanto a la afinación de los tambores, lo mejor sería disponer de un afinador.

Algunos bateristas recomiendan modificar el set donde practicamos cada un cierto tiempo, para que nos acostumbremos a tocar en las distintas configuraciones que se puedan presentar en los shows.

Siguiendo los pasos antes descritos es muy probable que suenes siempre bien, o por lo menos lo mejor que puedas, ya que estarás tocando tal cual lo haces cotidianamente en tus prácticas. Espero que les sirva. Saludos

LOS 3 PILARES PARA UN BUEN ESTUDIO

Hola a todos. En esta ocasión les quiero hablar sobre tres elementos importantes que necesitamos para comenzar a estudiar batería. En realidad son necesarios para practicar cualquier instrumento o disciplina. Me refiero a la paciencia, la disciplina y la cotidianeidad.

La paciencia es obligatoria para poder superar los problemas que vayan apareciendo en el estudio utilizando los diferentes sistemas que nos provee nuestro profesor o, en el caso de los autodidactas, los que se les fueran ocurriendo. Estudiar batería es poder dominar el instrumento para abordar luego los estilos. Siempre que uno comienza con algo, espera mucho más de lo que puede hacer, y eso es bueno porque nos da energía para querer llegar a esa meta, pero, también, es letal porque la “impaciencia” hace que equivoquemos el camino.

 La actitud de querer progresar y de tener la voluntad para estudiar, practicar e investigar tiene que ver con la disciplina. La disciplina es retomar y repetir aquello que no nos sale (aunque algunas veces no nos guste). Muchas veces al querer llegar a nuestros objetivos cuanto antes no nos deja ver la importancia de aquello que nos resulta pesado al principio, pero que al poco tiempo nos damos cuenta que resulta fundamental para nuestro desarrollo como bateristas.

La práctica diaria es fundamental para incorporar e internalizar en principio todo lo básico que hace al toque de batería, y luego todo lo conceptual. No sirve estudiar una vez cada dos semanas. No importa que te sientes al instrumento 30 minutos, una hora o  tres horas, mientras que lo hagas lo más cotidiano posible. La práctica y el ensayo hacen sonar bien.

 Espero que les sirva estos consejos y recuerden que esto es aplicable a cualquier actividad que realicen. El hecho de que hagan algo como un hobbie, no significa que lo deban hacer así nomás. Hasta la próxima.

EL METRÓNOMO

Creo que casi todos aprendimos a tocar después de comprarnos una batería o con las cacerolas de la abuela. Y del metrónomo, ni enterados!

Poco después, tras leer algunos textos o ver videos, trataron de hacernos entender lo importante que era contar con un metrónomo; pero igual, estaba caro, y hasta nos parecía un poco tonto tener que comprar un aparatito que lo único que hace es chiflarnos cada tanto!

Pasa el tiempo, comenzamos a tocar, y lo primero que intentamos es ir sacando nuestros propios patrones. Por cierto, lo hacemos a una cierta velocidad o "tempo" que nos es natural, y que en mucho está influenciado por el tipo de géneros musicales que solíamos escuchar. Ese es nuestro "beat natural"!

La traducción literal de "beat" es latido o pulsación, y asi como tu ritmo cardíaco no es igual que el mío, tu beat al tocar no es tampoco el mismo. Por cierto, el tempo para un determinado género es más o menos constante, de suerte que dependiendo de que te toque interpretar lo harás de forma "casi" coincidente con la versión original.

Y digo "casi" porque si te pones a escuchar la canción mientras tocas apreciarás la diferencia entre tu velocidad y su verdadero tempo, al cual los músicos la interpretaron originalmente.

¡Esta diferencia, en principio apenas perceptible, se hace notoria al superponer tu instrumento a la canción, lo que te deja en claro la importancia de usar un metrónomo!

Otro gran problema es cuando ya te aprendiste los patrones básicos pero también los tocas a tu propio tempo. Y ocurre con frecuencia que un tema cualquiera (sea un cover o uno original) tiene que tocarse a otra velocidad, que no es la tuya. Nuevamente, se hace necesario que modifiques tu ritmo, sino por momentos te perdes.

Para estar preparado a tocar a diferentes velocidades, aunque sea un mismo patrón, deberás practicar ayudado por un metrónomo.

Finalmente, si bien es cierto que a la hora de tocar en grupo es muy probable que entre todos los de la banda se "acomoden" a un tempo determinado, no ocurre lo mismo a la hora de grabar en un estudio porque cada uno lo hace en distintos momentos. En tal situación no tendrás a tus amigos para que te "empujen", y será el metrónomo tu único medio de auxilio.

¡Así que  comprate un metrónomo y empezá a practicar con él!

LESIONES EN LOS BATERISTAS

Alguna vez se encontraron en la calle con alguna persona que saca a pasear al perro?, y que la mascota decide correr y tirar de la correa. Y ahí te preguntas ¿quién lleva a quién?

Algo parecido pasa con la batería, porque generalmente es uno quien se adapta al set y no éste a nosotros.

Esta visión tiene que cambiar porque se trata de un instrumento con riesgos implícitos. De hecho, hace poco Phil Collins había decidido abandonar la batería como consecuencia de una seria lesión en su columna vertebral.

Las lesiones más comunes en los bateristas son afecciones del oído, afecciones de las manos y afecciones de la columna vertebral.

La afección del oído es producto del trauma acústico, el que puede conducir finalmente a la pérdida de la audición. Más adelante voy a hacer una publicación sobre la perdida auditiva.

Mientras tanto puede ir usando protectores como los de la foto de la izquierda.

Las lesiones en las manos suelen resultar del uso de palillos no adecuados, mal uso de la técnica o la falta de ella. Ésto puede estar produciendo desde una leve tendinitis hasta un síndrome del túnel carpìano.

El compromiso de la columna vertebral es fruto de una mala postura, en especial aquella condicionada por estar mal sentados. Una banqueta muy baja termina por lesionar la columna cervical, mientras que una muy alta afecta nuestra columna lumbar. Por si fuera poco, una posición no erguida (derecha) puede generar desviaciones a distintos niveles de la espina dorsal.

Como mediada de precaución hay que tomar algunas rutinas saludables para evitar estas lesiones. Hay que saber que, salvo el trauma acústico, que es agudo, el resto son crónicas (se instalan y desarrollan progresivamente). 

Algunos tips a tener en cuenta para prevenir dolencias son:

1. Usar siempre protectores auriculares.
2. Usar calzado cómodo y liviano.
3. Calentamiento suficiente antes de tocar.
4. Enfriar lentamente después de cada practica. 
5. Evitar los palillos muy pesados.
6. Disponer de una buena banqueta, de preferencia con respaldo.
7. Ajustar bien la altura y la posición del asiento (ni muy bajo ni muy alto).
8. Adoptar siempre una postura erguida.
9. Configurar el set evitando ubicaciones forzadas.
10. Mejorar día a día nuestra técnica de manos y pies.

Evitar lesiones es una responsabilidad con nosotros mismos, pues nadie quiere comprometer su calidad de vida a largo plazo por tocar la batería. Es  un deber adoptar las medidas de protección que protejan nuestra integridad física, pensando siempre que nunca es tarde para comenzar a cuidarnos.

Bueno...espero que les haya servido y nos leemos en una próxima nota. SALUDOS!

EL SONIDO VINTAGE

En la actualidad, la mayoría de los productores y músicos de estudio, utilizan baterías "Vintage" en sus proyectos. Una batería que con el paso del tiempo se ha asentado la madera tiene un sonido particular, un espíritu propio, en comparación con las que se fabrican en masa.
No todos tienen la posibilidad de comprarse una bata Vintage, así que acá te pasamos unos trucos para intentar conseguir ese espíritu en tu sonido. 


 Para conseguir ese sonido Vintage, vamos a concentrarnos en 5 aspectos:

ESCUCHAR E INVESTIGAR
Para empezar a lograr ese sonido, primero debemos investigar cómo queremos sonar. Podemos empezar viendo baterías antiguas, escuchar grabaciones de la época en cuestión. Youtube también es una buena opción. Dicho esto, nos focalizamos en los siguientes aspectos.

PARCHES
Los parches sintéticos no se utilizaron hasta la década del 50'. Antes se usaban parches de cuero. Éstos ofrecían un color oscuro, cálido y con un amplia paleta de sonidos. Actualmente hay algunas compañías que los venden, y no son tan caros. Otra opción son los parches sintéticos imitación cuero, como los Fiberskins de Remo.

BOMBO
Antes de los años 70', el bombo se usaba sin agujero en el parche frontal y sin nada adentro, o lo menos posible. Se acostumbraba un sonido lleno y abierto. La técnica y la afinación era lo único que variaba entre los distintos estilos. Por último el pedal de bombo debe usarse con una maza de fieltro para lograr un sonido menos estridente y más suave.

PLATOS
Los platos de 20" o más grandes no existían en la época del swing de los años 30'. Para el hi hat podríamos usar una pareja de splashes. Con platos más pequeños y livianos, será más fácil conseguir el sonido típico de esa época. la aparición del Ride fue al principio de los 40' y eran muy ligeros y con campanas mucho más chicas que en los actuales.

GRABACIÓN Y MICROFONÍA
Si queremos que nuestra batería suene vintage, debemos usar técnicas tradicionales de grabación y microfonía.  En la mezcla es importante una buena presencia de los overheads. En la foto de la deracha se ve a John Bonham en una situación de estudio.



A continuación les dejo unos videos de esa época para que escuchen y comparen. Saludos

AFINACIÓN DE LA BATERÍA

Hola Amigos!! Qué quilombo es afinar la bata, no? Bueno acá te traigo unos datos para tener en cuenta. En esta primera entrega sobre afinación, voy a hablar sobre los pasos básicos para lograr afinar tu tambor. Aunque seas un baterista principiante, el que tu batería suene bien, te hará destacarte del resto. Arrancamooossss.

La regla básica para afinar un tambor es estirar el parche de forma uniforme. Todos los tornillos deben tener la misma presión. de esta manera, tu resultado será más próximo a un sonido equilibrado. 



Vamos por partes:

1. Aflojá todos los tornillos sin sacarlos del tambor y apretalos con la propia mano hasta donde puedas. Tratá de hacer la misma fuerza en todos. A ésto se le llama, regularmente, punto cero.
2. Con la llave de afinación en mano elegí un tornillo y lo ajustas media vuelta en sentido de las agujas del reloj. Yo, personalmente me gusta hacerlo de a cuartos de vuelta en los redoblantes, para conseguir mayor precisión. Ahora vas al tornillo del lado opuesto (ver esquemas) y das la misma media vuelta. Repetí este procedimiento en todos los tornillos siempre como en las ilustraciones. 

3. Terminada la vuelta, repetí el paso hasta que cuando aprietes el centro del parche con el dedo no haya partes arrugadas. Si sólo en un lado hay arrugas apretás ese tornillo solo. 

4. Golpeá con el palillo en el medio del tambor y prestá atención al sonido que produce.

5. Si crees que el sonido es aún muy grave, le das otra media vuelta a cada tornillo, en el mismo orden que en el paso 2. Si todavía no estás a gusto con el sonido, repetí el paso 2 hasta que el redoblante llegue a la afinación que quieras.

6. Cuando ya esté bien. Apretá el centro del parche con un dedo y con la misma llave de afinar dale pequeños golpes en el borde del parche cerca de cada tornillo y fijate que siempre suene igual. 

7. Si alguno suena más grave, lo ajustas un poquito. Si por el contrario, alguno suena más agudo, lo aflojas un poquito. Y si ninguno suena diferente, felicidades!! Tu tambor está afinado. 
8. Ahora, puede ser que al percutir, el tambor resuene demasiado o tire muchos armónicos. Esto lo puedes solucionar aflojando un poco todos los tornillos. Pero si la afinación que le quedo te gusta mucho, puedes apagar esos armónicos con cinta, dampers o geles tipo "MoonGel". De esta manera sacás los ruidos molestos pero conservas el sonido que te gusta.

Ojalá que ésto les sirva y pronto va a haber más post sobre afinación. Saludos y que estén bien.

RUTINAS DE ESTUDIO (Parte I )

Hola bateros de habla Hispana! En este caso voy a continuar con el tema de las rutinas de estudio pasándoles rutinas recomendadas por distintos bateristas educadores. La idea de esta sección es mostrarles los diferentes puntos de vista sobre el tema de la práctica que tienen los profesores reconocidos de este instrumento. Vamos a comenzar con una rutina propuesta por Marc Dicciani, quien es director de la School of Music de la Universidad de Arte de Philadelphia y que dio muchas clínicas sobre este tema y otros.

Lo que propone Marc, es dividir el estudio en cinco categorías:

1. Técnica: control, precisión, combinaciones de mano, acentos, coordinación de extremidades, técnica de escobillas, etc.
2. Estilos: estudio, escucha, aprendizaje y práctica de todos los estilos y géneros musicales (Rock, Funk, Jazz, Metal, Afro-cubano, Drum'n'Bass, etc.).
3. Improvisación y Musicalidad: improvisar, conceptos como tacto, espíritu, colores y equilibrio de cada uno de los sonidos.
4. Lectura: transcripciones de solos, canciones, ritmos complejos, solos de tambor, y todo tipo de ejercicios dedicados a la lectura.
5. "Otros": todo aquellos que nos ayude a crecer como músicos. Por ejemplo, afinación, transcribir, leer entrevistas a bateristas, tocar otro instrumento, ver DVD's, etc.

Cada vez que estudiemos, tenemos que pasar por cada una de estas categorías. Y para organizarnos, anotamos qué cosas queremos aprender, mejorar o estudiar. Luego, escribimos las cinco categorías en la parte superior de una hoja, quedando cinco columnas y en cada una anotamos todo lo que esté relacionado con dicha categoría. Una vez hecho ésto, Crearemos una tabla como ésta:

Entonces, rellenamos cada uno de estos cuadrantes con un ítem de la lista que anotamos antes. Lo siguiente es practicar cada item entre 20 y 30 minutos, ni más ni menos. Empezamos por el item 1 de la categoria "Técnica", luego pasamos al 1 de "Estilos", y así hasta llegar al 1 de "Otros". Llegadoa acá, pasamos a la fila de abajo y comenzamos de nuevo. La sesión diaria tiene que empezar donde terminó el dia anterior. Cuando terminamos la tabla, volvemos al principio. 

Esta tabla que hicieron deben practicarla entre dos y cuatro semanas, y después crear otra nueva con items diferentes. También nos aconseja ponerle las fechas a cada tabla, para comparar los resultados.


¿Qué les pareció? A mi me resultó muy interesante este método. Hagan sus comentarios opinando sobre esta rutina de estudio. ¿Qué les pareció? ¿Cómo la mejorarían? Más adelante les voy a traer otra forma de estudiar, pero con resultados similares. Hasta luego!!

SI VAS A TOCAR, QUE NO SE TE OLVIDE ÉSTO

Hola gente! En esta entrega les voy a hablar de un tema cotidiano. Les pasó que alguna vez que fueron a tocar les ocurrió algún incidente como por ejemplo: los fierros de los platos no tenían el protector de plástico, la batería se mueve por todo el escenario, o el tambor tiene unos armónicos endiablados? Bueno, ahora les voy a pasar una lista de cosas que te convendrían llevar siempre que vayas a tocar.

Antes de empezar con la lista, les hago otra recomendación. Siempre antes de salir, mientras vayan guardando el instrumento, chequeen que todo ande bien para evitar al máximo problemas a la hora de armar en el bar, teatro, boliche, etc. Y también les aconsejaría, si es que usan demasiados cuerpos o platos, y llevan muchos fierros, que se armen una lista de lo que usan, así no se van a olvidar nada.

Comencemos con la "listita":

- CINTA SCOTCH, DE PAPEL O AISLANTE
Esta te puede salvar en varios inconvenientes. Apagar armónicos, poner en lugar de los protectores de platos si estos faltan, o para reparar temporalmente algo que se haya roto, etc.

- SOGA O CORDÓN
Si no tienes alfombra y el escenario es resbaladizo, la vas a pasar mal y es ahí donde la soga te va a salvar atando las patas del bombo en la banqueta. De esta manera te aseguras de no andar paseando por todo el escenario.

- LLAVE DE AFINAR
Para afinar o recambiar algún parche si es necesario.

- TORNILLOS AFINADORES Y TORRES DE REPUESTO
Lleva 1 o 2 tornillos y torres por las dudas. Nunca sabes cuando se puede zafar alguno o quebrar una torre. A mí me paso que en medio de una gira por la costa se me partió una torre del tambor. Por suerte llevaba en mi cajita de "PRIMEROS AUXILIOS BATERISTICOS" una torre de repuesto.

- LINTERNA PEQUEÑA
Si se te cae algo en el escenario y está oscuro te deseo
suerte en encontrarlo, en medio de fierros, pies de
micrófonos, cables y otras cosas en la oscuridad.




- FELPAS DE MÁS
Creanmé que se pierden con facilidad.

- TIJERA Y DESTORNILLADOR
Son herramientas útiles que sirven para muchas situaciones. Lo mejor sería conseguir un cortaplumas que contenga las dos cosas y hasta traiga otras más.

- REMEDIOS
Al momento de tocar tenemos que estar lo mejor posibles, y puede ser que nos lleguemos a sentir mal por los nervios. La idea sería llevar una pastilla por si surge un dolor de cabeza, de estómago, diarrea, etc. Que los nervios no nos hagan pasar una mala jugada. También podrías agregar una curita por si te lastimas.

No se confundan. Aunque parecen muchas cosas, todas ellas caben en una cajita chica de herramientas, y la pueden llevar en la funda del bombo o de los fierros. También a la lista deberian agregar un parche de tambor de repuesto y varios pares de palillos, por si se rompen en medio del recital.

Bueno, eso es todo por hoy amigos. Espero que les servia el consejo. Y ahora yo te pregunto. ¿Qué agregarías tú a la lista?¿Qué llevas tú , por las dudas? Hasta la próxima!