Cómo llegar al día de la grabación

El momento de grabar un disco es muy importante para una banda o solista. Ese disco va a ser como la carta de presentación del artista. Y en cuanto al baterista, generalmente es el primero en pasar por el estudio.
Sobre la base que toque el baterista se armaran los demás instrumentos y por eso es importante que todo salga lo mejor posible. Hay que lograr tocar con tempo, precisión y buen sonido.

A continuación te dejo unos consejos para te llegue ese día soñado.

Trabaja con metrónomo o también conocido como click. Para una grabación bien hecha es casi imprescindible que todo encaje en la grilla. El tocar y practicar con metrónomo te hará la tarea más fácil cuando tengas que grabar.

La banda tiene que tener bien definida la forma del tema a grabar. En el estudio de grabación cada hora cuesta mucho dinero. Y no puedes estar perdiendo el tiempo cambiando a ultimo momento la estructura de una canción y aprendértela en el momento. Ademas esto puede llevar a errores de ejecución.

Nunca lleves para grabar, instrumentos que nunca usas. Usa tus instrumentos, los que ya conoces bien. Tu cuerpo ya esta acostumbrado a una configuración, al peso de tus platos y al agarre de tus palos. Eso ayudara a que toques mas relajado.

Fíjate que no haya mucha gente dando vueltas por el estudio. Personas pululando por el lugar pueden causarte distracciones. No hace falta que estén todos los miembros de la banda en todas las etapas de la grabación.

Come y bebe liviano antes de ir a tocar. Eso te evitara que estés pesado y tu reacciones sean lentas.

Lleva un track del tema como referencia. No conviene que la referencia la este tocando otro de los músicos a la par tuya. Lo mejor es una referencia previamente grabada con click y si te es posible ya practicada.

Espero que estos consejos te sirvan y los pongas en practica la próxima vez que vayas a grabar. Que otros tips agregarías? Deja tus comentarios. Saludos!

MAESTROS: VINNIE COLAIUTA

Vinnie colaiuta

Hola monada!!! Hoy les voy a escribir sobre un ídolo, un grande, un MAESTRO!! que destaca por su habilidad técnica y su versatilidad, gracias a lo cual ha tocado con una gran cantidad de artistas de estilos muy diversos: Vincent Colaiuta, 

Nació el 5 de febrero de 1956 en Brownsville, Pennsylvannia. Recibió clases de batería cuando era niño pero tuvo que esperar hasta los 14 años para conseguir su primer set. 

Tras asistir a la Berklee College of Music por un año, ingresó en la banda de Christopher Morris desde 1976 hasta 1977. Tras ello, tocó sin éxito con algunas bandas, hasta que, con 22 años, se presentó a una audición para tocar con Frank Zappa, en la que tocó la dificilísima  pieza "The Black Page". Entonces comenzó a trabajar con él y grabó "Tinsell Town Rebellion", "Joe's Garage" y "Shut Up' n Play Yer Guitar".

Después de tocar con Zappa, tocó, sobre todo en estudio, para una gran cantidad de artistas de pop y rock como Joni Mitchell, Eric Clapton, Lynda Thomas, Barbra Streisand, Chaka Khan, Leonard Cohen, The Beach Boys o Gino Vanelli; y de artistas de jazz como Chick Corea, Herbie Hancock, Quincy Jones, Jimmy Haslip o The Buddy Rich Big Band. También ha tocado con John Pattitucci, Joe Satriani, Mark Egan, Megadeth, Jeff Beck o Sting.

En 1994 grabó su primer y único disco como líder, con la banda homónima "Vinnie Colaiuta" con el sello Stretch.

Equipamiento

Vinnie Colaiuta toca actualmente baterías de la marca Gretsch, marca a la cual regresó después de estar endorsado por multiples marcas como Ludwig, Yamaha, Heuer entre otras. Usa platos Paiste, sobre todo de la serie 602 y la nueva serie que ha ayudado a desarrollar denominada "Modern Essentials". Otras marcas que lo acompañan son parches Remo, Baquetas Zildjian (modelo Signature Vinnie Colaiuta de Hickory) y herrajes Atlas Pro de Ludwig.

Actualmente toca con artistas como Jeff Beck y Sting. Cabe destacar que, Colaiuta, trabajó junto a Cerati (bajo y acústica) y Summers (eléctrica), en la canción tributo de The Police, llamada Bring on the Night, interpretada vocalmente, por Cerati. La versatilidad de Colaiuta con los sonidos, es única, y eso mismo, lo expresaba Cerati y Summers, en un mini-documental de la realización del tema.

Vinnie es uno de los maestros del instrumento, sin dudas. Qué otro baterista crees que tendría que estar homenajeado en este blog? Deja tus comentarios ....

Cómo microfonear mi batería? (Parte 3)

Hola! Como te va? Pudiste probar algo de lo que te hablé en los últimos dos post? Bueno vamos por la última parte de este apartado de microfoneo, para volver la semana que viene con las entradas habituales.

En este capítulo te voy a mostrar algunas formas de microfonear los platos. La más común es con dos mics condenser desde arriba a igual distancia. Algunos micrófonos que puedes usar son los Shure SM81, AKG P 170, Neumann U87, AT2020, entre otras muchas variedades. En las siguientes fotos te muestro varias opciones. La idea es tomar una imagen estéreo de los platos y la batería.

 Además de estos dos mics puedes agregar otro para tomar más precisamente al hi-hat.

Lo mismo sucede con el ride.

Toma ROOM

Otra opción es hacer una toma que se llama ROOM, que sería una toma del cuarto. Esto le da espacialidad a la grabación. Eso se hace colocando un micrófono condenser dentro de la habitación pero alejado de la batería.

Como dije en el post anterior, hay que probar y experimentar con las posiciones, distancias y variedad de mics (si tienes de donde elegir).

Te sirvió? Te gusto esta información? No te gustó? Quieres comentar algo? Te interesaría que hablara de otras cosas? Todo lo quieras dejar, decir o hacer, por favor escríbelo en el apartado de comentarios, para así yo saber que quieren leer ustedes los bateristas o por qué no, otros músicos.

Acá me despido y hasta la próxima lectura, ABRAZODIDDLE para todos!!!

Cómo microfonear mi batería? (parte 1)

Hola gente percusiva!!! Que tengan un feliz año nuevo y un 2017 lleno de música y recitales!!!
Hace tiempo que no escribía, por suerte por una buena razón. Estuve estudiando mucho, tocando en nuevos proyectos, trabajando y lo más importante es que conseguí alcanzar una meta que me propuse el año pasado: tener mi propio Home Studio. Lo que estuve estudiando mucho es un curso de ingeniería de sonido y producción musical en un instituto llamado Inartec. Así que tengo muchas cosas nuevas para mostrarles. Empezamos!!

Hoy te voy a hablar de cómo se toma un tambor. En principio tenemos que tener en cuenta dos cosas sobre el redoblante:

1. Es un instrumento que produce una alta presión sonora; y
2. Tiene otros instrumentos alrededor y muy cerca que también van a estar produciendo sonidos.

Para la primer situación se suele elegir micrófonos de tipo dinámico , ya que éstos son resistentes a presiones sonoras altas ( y algún que otro baquetazo...). Y para que tome lo menos posible a los demás instrumentos como Hi-hat, toms, etc, lo ideal es que el mic sea de patrón polar cardioide y por el poco lugar además que sea de diafragma chico. Los mics cardioides toman muy bien lo que tienen delante, pero no tienen buena sensibilidad hacia los costados y atrás.
El micrófono por excelencia y más utilizado para este propósito (y muchos otros más) es el todo-terreno Shure SM57 (pueden usarse otros obviamente, pero este es el mas conocido y re contra ultra archi usado).

Ahora, en qué posición deberíamos ponerlo? Puede ir anclado al aro del tambor mediante un clamp o desde un pie de micrófono. Esto depende del lugar del que disponemos. Debe apuntar al centro o casi centro del parche con una inclinación de unos 45º aproximadamente.

También pueden usar un segundo micrófono, como muestra la foto. Esto puede servir para dar alguna textura o sonoridad especial. Acá no hay reglas absolutas, la cosa va de prueba y error en busca del sonido deseado.

Además, si quieres tener una toma de la bordona, puedes colocar otro SM57 (u otro mic) apuntado desde abajo. Esto te permitirá jugar con la combinación del parche batidor y el bordonero en el sonido final de la toma del tambor. Para tener el mejor sonido posible hay que tener en cuenta la cancelación de fase, pero eso lo veremos en otro post.

En la próxima entrada seguimos con el bombo y los toms. Hasta la próxima y saludos para todos!!!

EL METRÓNOMO

Creo que casi todos aprendimos a tocar después de comprarnos una batería o con las cacerolas de la abuela. Y del metrónomo, ni enterados!

Poco después, tras leer algunos textos o ver videos, trataron de hacernos entender lo importante que era contar con un metrónomo; pero igual, estaba caro, y hasta nos parecía un poco tonto tener que comprar un aparatito que lo único que hace es chiflarnos cada tanto!

Pasa el tiempo, comenzamos a tocar, y lo primero que intentamos es ir sacando nuestros propios patrones. Por cierto, lo hacemos a una cierta velocidad o "tempo" que nos es natural, y que en mucho está influenciado por el tipo de géneros musicales que solíamos escuchar. Ese es nuestro "beat natural"!

La traducción literal de "beat" es latido o pulsación, y asi como tu ritmo cardíaco no es igual que el mío, tu beat al tocar no es tampoco el mismo. Por cierto, el tempo para un determinado género es más o menos constante, de suerte que dependiendo de que te toque interpretar lo harás de forma "casi" coincidente con la versión original.

Y digo "casi" porque si te pones a escuchar la canción mientras tocas apreciarás la diferencia entre tu velocidad y su verdadero tempo, al cual los músicos la interpretaron originalmente.

¡Esta diferencia, en principio apenas perceptible, se hace notoria al superponer tu instrumento a la canción, lo que te deja en claro la importancia de usar un metrónomo!

Otro gran problema es cuando ya te aprendiste los patrones básicos pero también los tocas a tu propio tempo. Y ocurre con frecuencia que un tema cualquiera (sea un cover o uno original) tiene que tocarse a otra velocidad, que no es la tuya. Nuevamente, se hace necesario que modifiques tu ritmo, sino por momentos te perdes.

Para estar preparado a tocar a diferentes velocidades, aunque sea un mismo patrón, deberás practicar ayudado por un metrónomo.

Finalmente, si bien es cierto que a la hora de tocar en grupo es muy probable que entre todos los de la banda se "acomoden" a un tempo determinado, no ocurre lo mismo a la hora de grabar en un estudio porque cada uno lo hace en distintos momentos. En tal situación no tendrás a tus amigos para que te "empujen", y será el metrónomo tu único medio de auxilio.

¡Así que  comprate un metrónomo y empezá a practicar con él!

EL SONIDO VINTAGE

En la actualidad, la mayoría de los productores y músicos de estudio, utilizan baterías "Vintage" en sus proyectos. Una batería que con el paso del tiempo se ha asentado la madera tiene un sonido particular, un espíritu propio, en comparación con las que se fabrican en masa.
No todos tienen la posibilidad de comprarse una bata Vintage, así que acá te pasamos unos trucos para intentar conseguir ese espíritu en tu sonido. 


 Para conseguir ese sonido Vintage, vamos a concentrarnos en 5 aspectos:

ESCUCHAR E INVESTIGAR
Para empezar a lograr ese sonido, primero debemos investigar cómo queremos sonar. Podemos empezar viendo baterías antiguas, escuchar grabaciones de la época en cuestión. Youtube también es una buena opción. Dicho esto, nos focalizamos en los siguientes aspectos.

PARCHES
Los parches sintéticos no se utilizaron hasta la década del 50'. Antes se usaban parches de cuero. Éstos ofrecían un color oscuro, cálido y con un amplia paleta de sonidos. Actualmente hay algunas compañías que los venden, y no son tan caros. Otra opción son los parches sintéticos imitación cuero, como los Fiberskins de Remo.

BOMBO
Antes de los años 70', el bombo se usaba sin agujero en el parche frontal y sin nada adentro, o lo menos posible. Se acostumbraba un sonido lleno y abierto. La técnica y la afinación era lo único que variaba entre los distintos estilos. Por último el pedal de bombo debe usarse con una maza de fieltro para lograr un sonido menos estridente y más suave.

PLATOS
Los platos de 20" o más grandes no existían en la época del swing de los años 30'. Para el hi hat podríamos usar una pareja de splashes. Con platos más pequeños y livianos, será más fácil conseguir el sonido típico de esa época. la aparición del Ride fue al principio de los 40' y eran muy ligeros y con campanas mucho más chicas que en los actuales.

GRABACIÓN Y MICROFONÍA
Si queremos que nuestra batería suene vintage, debemos usar técnicas tradicionales de grabación y microfonía.  En la mezcla es importante una buena presencia de los overheads. En la foto de la deracha se ve a John Bonham en una situación de estudio.



A continuación les dejo unos videos de esa época para que escuchen y comparen. Saludos

MAESTROS: STEVE GADD

En los últimos 25 años Steve Gadd se volvió uno de los bateristas más codiciado por solistas y productores. Desde los 70, cambió la forma de trabajar de los bateristas en el estudio de grabación, dado a su técnica y su ejecución emocional e intensa. En cualquier estilo que tocaba (jazz, pop RnB o fusión), era el mejor.

  

Steve nació en Rochester, Nueva York el 9 de abril de 1945. Ya desde pequeño acompañaba a su hermano tocando la batería en un club local. Teniendo 11 años nada más, recibía visitas de artistas reconocidos, pudiendo tocar con Dizzy Gillespie. Más adelante estudió en el Manhattan School y tocó con Chuck Mangione. Luego pasó tres años en el ejército. Allí pulió sus habilidades en big band y conocimientos básicos y de regreso en 1971, se metió de lleno en la escena musical de Nueva York.

Tuvo una gran repercusión en el mundo de las sesiones. Tenía un gran talento en brindar musicalidad y soul con un firme groove en cualquier estilo. La versatilidad en su trabajo era sinceramente excepcional. Grabó con Aretha Franklin, Stevie Wonder, Barbra Streisand, Paul McCartney, Rickie Lee Jones, Carly Simon, Al Jarreau, James Brown, Joe Cocker, Nancy Wilson, Bob James, Stanley Clarke, Al Dimeola, George Benson, Carla Bley y muchos más.

Sus grabaciones más históricas fueron alrededor de mediados de los 70’. Estas incluían ‘The Leprechaun’ con el pianista Chick Corea; ‘Aja’ con Steely Dan; y varios cortes con Paul Simon (incluyendo ‘Fifty Ways To Leave Your Lover’ y ‘Late In The Evening’) – participaciones que sorprendieron y que ahora forman parte del folklore del mundo baterístico. Estas grabaciones impactaron tanto mundialmente que Steve llegó a ser el baterista más imitado de su generación.

Cuando comenzó a disminuir la escena de las grabaciones Steve en los recientes años se ha dedicado más a realizar giras. Siendo muy solicitado, ha participado en las giras mundiales de Eric Clapton y legendarios compositores como Paul Simon y James Taylor.

El set de Gadd está formado por toms Yamaha Recording Custom de 12”, 13” 14” y 16”. Pero a veces utiliza un tom de 10” en lugar del de 13”. Su bombo es un Maple Custom de 22” o 20”dependiendo de la ocasión. En redoblantes, Gadd tiene 3 modelos signature hechos por Yamaha: en Acero y aros de madera, en Maple Y en Birch. Su Hardware es completamente Yamaha incluyendo un doble pedal.

En platillos, Gadd utiliza la línea K Custom Session que contiene crashes de 16” y 18”, Hihats de 14” y rides de 18” y 20”.

A nivel de parches, utiliza Remo Powerstoke 3 junto a un Diplomat snare side en el redoblante, Pinstripes batidor y Ambassadors transparentes resonantes en sus toms y Pinstripe en su bombo y palilos Vic Firth Steve Gadd hechas en Hickory.

Gadd es uno de esos grandes que dejan huella en el mundo de la batería. Uno de esos personajes únicos. Nos vemos en el próximo post con más del mundo bateristico.