Cómo llegar al día de la grabación

El momento de grabar un disco es muy importante para una banda o solista. Ese disco va a ser como la carta de presentación del artista. Y en cuanto al baterista, generalmente es el primero en pasar por el estudio.
Sobre la base que toque el baterista se armaran los demás instrumentos y por eso es importante que todo salga lo mejor posible. Hay que lograr tocar con tempo, precisión y buen sonido.

A continuación te dejo unos consejos para te llegue ese día soñado.

Trabaja con metrónomo o también conocido como click. Para una grabación bien hecha es casi imprescindible que todo encaje en la grilla. El tocar y practicar con metrónomo te hará la tarea más fácil cuando tengas que grabar.

La banda tiene que tener bien definida la forma del tema a grabar. En el estudio de grabación cada hora cuesta mucho dinero. Y no puedes estar perdiendo el tiempo cambiando a ultimo momento la estructura de una canción y aprendértela en el momento. Ademas esto puede llevar a errores de ejecución.

Nunca lleves para grabar, instrumentos que nunca usas. Usa tus instrumentos, los que ya conoces bien. Tu cuerpo ya esta acostumbrado a una configuración, al peso de tus platos y al agarre de tus palos. Eso ayudara a que toques mas relajado.

Fíjate que no haya mucha gente dando vueltas por el estudio. Personas pululando por el lugar pueden causarte distracciones. No hace falta que estén todos los miembros de la banda en todas las etapas de la grabación.

Come y bebe liviano antes de ir a tocar. Eso te evitara que estés pesado y tu reacciones sean lentas.

Lleva un track del tema como referencia. No conviene que la referencia la este tocando otro de los músicos a la par tuya. Lo mejor es una referencia previamente grabada con click y si te es posible ya practicada.

Espero que estos consejos te sirvan y los pongas en practica la próxima vez que vayas a grabar. Que otros tips agregarías? Deja tus comentarios. Saludos!

Cómo microfonear mi batería? (Parte 3)

Hola! Como te va? Pudiste probar algo de lo que te hablé en los últimos dos post? Bueno vamos por la última parte de este apartado de microfoneo, para volver la semana que viene con las entradas habituales.

En este capítulo te voy a mostrar algunas formas de microfonear los platos. La más común es con dos mics condenser desde arriba a igual distancia. Algunos micrófonos que puedes usar son los Shure SM81, AKG P 170, Neumann U87, AT2020, entre otras muchas variedades. En las siguientes fotos te muestro varias opciones. La idea es tomar una imagen estéreo de los platos y la batería.

 Además de estos dos mics puedes agregar otro para tomar más precisamente al hi-hat.

Lo mismo sucede con el ride.

Toma ROOM

Otra opción es hacer una toma que se llama ROOM, que sería una toma del cuarto. Esto le da espacialidad a la grabación. Eso se hace colocando un micrófono condenser dentro de la habitación pero alejado de la batería.

Como dije en el post anterior, hay que probar y experimentar con las posiciones, distancias y variedad de mics (si tienes de donde elegir).

Te sirvió? Te gusto esta información? No te gustó? Quieres comentar algo? Te interesaría que hablara de otras cosas? Todo lo quieras dejar, decir o hacer, por favor escríbelo en el apartado de comentarios, para así yo saber que quieren leer ustedes los bateristas o por qué no, otros músicos.

Acá me despido y hasta la próxima lectura, ABRAZODIDDLE para todos!!!

Cómo microfonear mi batería? (parte 2)

Bueno, sigamos con el tema del microfoneo de la batería. Dijimos que íbamos a seguir con los toms y el bombo.

TOMS

En los toms va a ser fácil. Se utiliza la misma técnica y tipo de mic que vimos con el tambor. En los toms puedes usar el viejo y conocido SM57 o también el Sennheiser MD421 o el Audix F90, entre otras muchas opciones.

AUDIX F90

Sennheiser MD421

También vi que para los floor toms o chanchas usan micrófonos de bombo como el AKG D 112, como para captar las frecuencias más graves.  Al igual que con el tambor con el mic apuntando casi al centro del parche.

AKG D 112

BOMBO

Para el bombo hay diferentes opciones y combinaciones. La tradicional es mandar un Shure Beta 52 o un AKG d112 por el agujero del parche apuntando o al centro o un poco hacia el borde opuesto a donde se sitúa el redoblante.

SHURE BETA52

O si no tienes el parche agujereado simplemente colocas el mic a unos centímetros del mismo.

Para conseguir sonidos más completos se suelen utilizar combinaciones de mic. Por ejemplo uno de bombo más un micrófono condenser de diafragma grande para lograr tonos más cálidos.

Otro ejemplo podría ser un mic de bombo más un Subkick de Yamaha, para resaltar las frecuencias graves. La idea es experimentar con el ingeniero de grabación hasta conseguir el sonido que más te guste.

Eso es todo por hoy. Si tienes alguna duda, deja tu pregunta en los comentarios. Hasta próxima entrada en la que te comentaré sobre el microfoneo de los platos.

Salud y muchos redobles!!!!

Cómo microfonear mi batería? (parte 1)

Hola gente percusiva!!! Que tengan un feliz año nuevo y un 2017 lleno de música y recitales!!!
Hace tiempo que no escribía, por suerte por una buena razón. Estuve estudiando mucho, tocando en nuevos proyectos, trabajando y lo más importante es que conseguí alcanzar una meta que me propuse el año pasado: tener mi propio Home Studio. Lo que estuve estudiando mucho es un curso de ingeniería de sonido y producción musical en un instituto llamado Inartec. Así que tengo muchas cosas nuevas para mostrarles. Empezamos!!

Hoy te voy a hablar de cómo se toma un tambor. En principio tenemos que tener en cuenta dos cosas sobre el redoblante:

1. Es un instrumento que produce una alta presión sonora; y
2. Tiene otros instrumentos alrededor y muy cerca que también van a estar produciendo sonidos.

Para la primer situación se suele elegir micrófonos de tipo dinámico , ya que éstos son resistentes a presiones sonoras altas ( y algún que otro baquetazo...). Y para que tome lo menos posible a los demás instrumentos como Hi-hat, toms, etc, lo ideal es que el mic sea de patrón polar cardioide y por el poco lugar además que sea de diafragma chico. Los mics cardioides toman muy bien lo que tienen delante, pero no tienen buena sensibilidad hacia los costados y atrás.
El micrófono por excelencia y más utilizado para este propósito (y muchos otros más) es el todo-terreno Shure SM57 (pueden usarse otros obviamente, pero este es el mas conocido y re contra ultra archi usado).

Ahora, en qué posición deberíamos ponerlo? Puede ir anclado al aro del tambor mediante un clamp o desde un pie de micrófono. Esto depende del lugar del que disponemos. Debe apuntar al centro o casi centro del parche con una inclinación de unos 45º aproximadamente.

También pueden usar un segundo micrófono, como muestra la foto. Esto puede servir para dar alguna textura o sonoridad especial. Acá no hay reglas absolutas, la cosa va de prueba y error en busca del sonido deseado.

Además, si quieres tener una toma de la bordona, puedes colocar otro SM57 (u otro mic) apuntado desde abajo. Esto te permitirá jugar con la combinación del parche batidor y el bordonero en el sonido final de la toma del tambor. Para tener el mejor sonido posible hay que tener en cuenta la cancelación de fase, pero eso lo veremos en otro post.

En la próxima entrada seguimos con el bombo y los toms. Hasta la próxima y saludos para todos!!!

¿DE QUÉ ESTÁ HECHO MI TAMBOR? (Parte 2)

Como en el capitulo anterior, hoy les voy a hablar del material en que se hacen los tambores. En este caso, de los metales. Como vimos en el caso de la madera, el material influye en el sonido y proyección del instrumento. Veamos que sucede con los metales:

Mapex MPX acero martillado

Acero (Steel): El Acero es una aleación (mezcla sólida homogénea de dos o más metales, o de uno o más metales con algunos elementos no metálicos) de Hierro y Carbono, debido a su bajo precio y dureza es uno de los materiales más utilizados para innumerables usos. En cajas sus características más destacadas son el poderoso ataque, agudo sonido metálico y sustain relativamente corto. Apta para todos los estilos pues tiene un gran rango de afinación. Tienen bastante volumen y tono general brillante. Las cajas de acero son muy económicas de fabricar y se suelen encontrar en las gamas bajas de baterías, no obstante también hay cajas de Acero de gamas altas.

Pearl Sensitone Elite Brass

Latón (Brass): El latón es una aleación de Cobre, Zinc, y en menor medida otros metales. Este metal suena con más brillo y más armónico, un sonido rico. El cambio de afinarla poco tensa o muy tensa es grande, parece casi como si fueran dos cajas distintas. No deja de ser curioso que se use el Latón para la fabricación de toda clase de instrumentos musicales de viento de calidad, las cajas de Latón suelen ser muy bien valoradas y sin embargo los platillos fabricados con ésta aleación pertenecen siempre a las gamas más bajas.

Tama Starphonic Aluminium

Aluminio (Aluminium): Es un metal muy abundante, ligero y fácil de trabajar al ser muy maleable y dúctil, por lo tanto resulta muy económico. Tiene un sonido seco y más cálido en cajas metálicas. Perfecto para usarlo en estudios de grabación pues es un sonido muy controlado, con muy poco armónico. No deja de tener carácter metálico, pero en menor medida comparado con las otras.

Yamaha Copper Nouveau

Cobre (Copper): El Cobre se encuentra en estado puro en la naturaleza y fue uno de los primeros metales en ser utilizados por la humanidad en la prehistoria. Aunque se dice que tiene la calidez de la madera, también posee un carácter metálico al 100%. Sonido poderoso, armónico, grave y brillante a la vez, apto para todos los estilos de música. El ataque es agudo y afilado pero a la vez oscuro y el armónico resultante es muy musical. Con mucho cuerpo. Es muy apreciada por su versatilidad para usos orquestales y Jazz.

DW Cast Bronze 90'

Bronce (Bronze): Es una aleación que se obtiene mezclando cobre y estaño en una proporción aproximada de 2 a 1. Se usa también para la fabricación de platillos. Tiene un carácter intermedio entre el acero y el cobre. El sonido de estas cajas tiene gran ataque con carácter grave y el tono en general es oscuro y más cálido que otros metales (excepto el Aluminio). Las cajas de "Phospor Bronce" son una variante de esta aleación a la que se le ha añadido una cantidad de Fósforo que oscila entre el 0,03 y el 1%. La aleación resultante es más anaranjada de color, y hace que sea más resistente. Tiene un tono algo más brillante, más cercano al latón, y se usa en otros instrumentos como Saxofones.

Dunnett Titanium

Titanio (Titanium): como curiosidad -aunque aún no he probado ninguna caja de este metal- es un metal parecido al Acero, algo más ligero que éste, pero con propiedades mecánicas muy similares. Es un material abundante en nuestro planeta (se considera el cuarto metal estructural más abundante en la superficie terrestre) , de color gris plata, más ligero que el acero pero de extrema dureza. Se utiliza en prótesis e implantes porque los tejidos del organismo vivo toleran su presencia al ser "biocompatible". Supongo que todo esto importa bien poco en una caja, pero no deja de ser curioso saberlo.



Si les gusto esta serie de entradas sobre materiales para tambores, les va a gustar el próximo sobre "Otros materiales". Saluttteeee

¿DE QUÉ ESTÁ HECHO MI TAMBOR?

Hoy les traigo un post sobre las maderas más usadas en la construcción de baterias. Si bien existen muchas más, nos vamos a concentrar en estas. 

Bubinga

Bubinga: Madera africana muy dura que se usa principalmente para trabajos en chapa. Al ser una madera tan exótica es de las más caras y otorga unos graves extraordinarios, se está usando cada vez más en instrumentos de gama alta, siendo Pearl, Tama y la batería mas cara de todas la DW, son las marcas destacadas en desarrollar productos de este material, pero aun hay poca variedad de oferta en baterías de esta clase de madera.

Maple

Arce (Maple): El Arce es un árbol cuya madera es blanca y el tipo americano posee una gran dureza, por naturaleza la densidad de la madera determina su dureza y mientras más dura es, más tarda en crecer, por ello se encarece el precio. Hoy en día las chapas de arce no son exactamente de esta especie cuya población está muy diezmada, y su lugar se usan otros tipos que son de más rápido crecimiento y por lo tanto más baratas. Pero este árbol produce la que es sin duda la madera más utilizada en percusión de alta gama, su propiedades acústicas son de las más abarcativas, proporciona al músico un sonido con rico en graves aunque de no mucho volumen, pero muy cálido. Por todo esto es que se adapta a casi cualquier tipo de sonido y se puede usar para tocar en estudio o en vivo con una versatilidad invalorable.

Birch

Abedul (Birch): Qué decir de esta planta tan noble, además de ser muy dócil musicalmente hablando también tiene grandes propiedades medicinales, desde diuréticas hasta curativas. Su sonido puede definirse como muy equilibrado entre graves y agudos y se comporta muy bien en estudio. Como característica destacable es que está dentro de la clasificación de maderas blandas y que se pudre con gran facilidad por lo que debe ser tratada con mucho cuidado.

Beech

Haya (Beech): Un intermedio entre el ataque del Abedul y el decay del arce, sonido muy equilibrado. Suena algo más limpia, clara y seca que el arce, sin llegar al extremo del abedul. Tiene algo más de graves que ésta última también. De aspecto es más bonita que las otras dos, pues tiene un veteado más pronunciado con más dibujos, el grano es más abierto y se aprecian unas rayas características en su superficie.

Oak

Roble (Oak): Esta madera tiene bastante más volumen que el arce y el abedul. El sonido en general es bastante similar, quizás con algo más de graves y presencia en general. El aspecto de esta madera es algo más tosco que el de las tres anteriores (no digo que sea fea, que no lo es). Es ideal para estilos como Rock o Blues por sonar con mucho cuerpo, volumen y resonancia.

Mahogany

Caoba (Mahoganny): Una madera muy noble, usada tanto en instrumentos como en carpintería debido a su durabilidad y belleza. Con gran respuesta al lustre y una proyección con graves marcados y con mucha resonancia, es decir con mucho “sustain”.

Walnut

Nogal (Walnut): La madera de nogal es una de las más apreciadas por su tono oscuro y su apariencia, de aspecto muy noble. El veteado es fascinante y sutil, de suaves curvas onduladas. Es una madera dura pero a la vez ligera, con lo que tiene algunas propiedades de maderas más resonantes. Comparada con el Arce suena más oscura y grave, pero tiene un superior y gran ataque muy afilado cuando se afina tensa. Tiene un enorme rango de posibilidades de afinación, es como tener dos cajas en una: cuando se afina a baja tensión, suena gorda, con mucho cuerpo, pero aún muy viva, y afinada tensa tiene un espectacular "crack" y un tono muy enfocado. En todas las tensiones es muy articulada y con gran sensibilidad. Siempre mantiene ese armónico tan oscuro como su aspecto y cien por ciento musical.

Ash

Fresno (Ash): Madera usada para la construcción de cuerpos de guitarras y bajos, así como de bates de béisbol, muy raramente se ha usado para cascos de baterías. No obstante marcas como Gretsch, Craviotto o DDrum la están introduciendo en algunos de sus nuevos modelos. Es una madera de grano abierto, parecida al roble en apariencia. Poder máximo, ataque letal, madera con mucho volumen, recomendada para estilos que requieran potencia y volumen.

Basswood

Tilo (Basswood): Madera blanda de color blanco tirando a tonos amarillentos, con propiedades acústicas menos cálidas que el Arce (siempre tomándolo como referencia ya que es la madera más equilibrada y completa) proporciona agudos muy marcados y casi desproporcionados con respecto a los graves. Podría decirse que es una madera que se utiliza en gamas medias, y a veces combinada con capas externas de Abedul, por lo que es para músicos de nivel medio avanzado y que buscan potencia en el sonido.

Poplar

Álamo (Poplar): Madera muy blanda, de color blanco en varios países se usa para hacer los cajones de verdura, de lo que se deduce que no es para nada cara. Posee unas propiedades acústicas bastante pobres pero es extremadamente resistente a la humedad, no se pudre para nada fácil. Pero no pasa de ser una madera de baterías para principiantes.

jarrah

Jarrah (Eucalipto): De origen Australiano, tiene un gran ataque y potencia pero a la vez tiene mucha sensibilidad y un sonido dulce cuando la tocas suave... un armónico increíblemente bonito y agradable. Gran volumen, pero muy sensitiva, realmente es un sonido muy distinto al de otras maderas, es algo excepcional, tiene un carácter algo oscuro y misterioso, y de aspecto es una preciosidad ... Es una lástima pues actualmente hay muchos problemas para conseguirla, el gobierno Australiano está poniendo trabas a su exportación. Su precio se está poniendo por las nubes.

Espero que les haya gustado. Atentos al próximo que se viene con los metales más usados para hacer tambores!!!

LA MEMORIA MOTORA

Muy seguido nos pasa que tenemos que tocar en una bateria que no es la nuestra, y no mostramos la misma fluidez y habilidad. Lo mismo puede pasar cuando andamos moviendo nuestro instrumento de un lugar a otro y no nos es posible armarlo de la forma que acostumbramos.

Tocar la batería no es solamente un conjunto de secuencias bien aprendidas, sino un juego de movimientos coordinados que consiste en aplicar fuerza a diferentes superficies, desde y hacia posiciones variables. La Memoria Motora toma en cuenta todos estos factores, entre los cuales se encuentran:

• peso y largo de los palillos
• ubicación de los soportes
• resistencia de los pedales
• distancia, altura y angulo de los tambores (redoblante, bombo y tones) y platos
• altura y angulo del mazo del bombo
• altura de la banqueta y su distancia al bombo
• altura y apertura de los platos del hi-hat
• tensión de los parches

Encima, la batería es el instrumento musical más personal que pueda existir, ya que nadie tiene otra exactamente igual a la nuestra. Basta con que cambie la posición de alguna pieza, el tamaño de un platillo o la afinación, para que toda la experiencia se convierta en algo distinto. Pero siempre se puede hacer algo por reducir el efecto de andarla armando y desarmando.

Lo primero es hacernos de una libretita, un lápiz, una escuadra angulada y una cinta métrica. Hay que tomar apunte de todo lo que pueda afectar en nuestro toque, fijándose en los items señalados anteriormente.

Otro método es contar siempre con memory locks en cada pieza que lo permita. Esto se aplica a los soportes del tambor y de los platos, los tom holders y el  mazo del bombo.

Una buena opción es conseguir una alfombra en la que podamos marcar con tinta indeleble la ubicación de cada uno de los soportes, los pedales, la banqueta y el bombo. Obviamente, dicha alfombra debe trasladarse a cada sitio donde debamos presentarnos.

En lo que respecta a los palillos, siempre es bueno contar con un buen número de baquetas del tipo que nos resulte más cómodo. Y en cuanto a la afinación de los tambores, lo mejor sería disponer de un afinador.

Algunos bateristas recomiendan modificar el set donde practicamos cada un cierto tiempo, para que nos acostumbremos a tocar en las distintas configuraciones que se puedan presentar en los shows.

Siguiendo los pasos antes descritos es muy probable que suenes siempre bien, o por lo menos lo mejor que puedas, ya que estarás tocando tal cual lo haces cotidianamente en tus prácticas. Espero que les sirva. Saludos

EL SONIDO VINTAGE

En la actualidad, la mayoría de los productores y músicos de estudio, utilizan baterías "Vintage" en sus proyectos. Una batería que con el paso del tiempo se ha asentado la madera tiene un sonido particular, un espíritu propio, en comparación con las que se fabrican en masa.
No todos tienen la posibilidad de comprarse una bata Vintage, así que acá te pasamos unos trucos para intentar conseguir ese espíritu en tu sonido. 


 Para conseguir ese sonido Vintage, vamos a concentrarnos en 5 aspectos:

ESCUCHAR E INVESTIGAR
Para empezar a lograr ese sonido, primero debemos investigar cómo queremos sonar. Podemos empezar viendo baterías antiguas, escuchar grabaciones de la época en cuestión. Youtube también es una buena opción. Dicho esto, nos focalizamos en los siguientes aspectos.

PARCHES
Los parches sintéticos no se utilizaron hasta la década del 50'. Antes se usaban parches de cuero. Éstos ofrecían un color oscuro, cálido y con un amplia paleta de sonidos. Actualmente hay algunas compañías que los venden, y no son tan caros. Otra opción son los parches sintéticos imitación cuero, como los Fiberskins de Remo.

BOMBO
Antes de los años 70', el bombo se usaba sin agujero en el parche frontal y sin nada adentro, o lo menos posible. Se acostumbraba un sonido lleno y abierto. La técnica y la afinación era lo único que variaba entre los distintos estilos. Por último el pedal de bombo debe usarse con una maza de fieltro para lograr un sonido menos estridente y más suave.

PLATOS
Los platos de 20" o más grandes no existían en la época del swing de los años 30'. Para el hi hat podríamos usar una pareja de splashes. Con platos más pequeños y livianos, será más fácil conseguir el sonido típico de esa época. la aparición del Ride fue al principio de los 40' y eran muy ligeros y con campanas mucho más chicas que en los actuales.

GRABACIÓN Y MICROFONÍA
Si queremos que nuestra batería suene vintage, debemos usar técnicas tradicionales de grabación y microfonía.  En la mezcla es importante una buena presencia de los overheads. En la foto de la deracha se ve a John Bonham en una situación de estudio.



A continuación les dejo unos videos de esa época para que escuchen y comparen. Saludos

AFINACIÓN DE LA BATERÍA

Hola Amigos!! Qué quilombo es afinar la bata, no? Bueno acá te traigo unos datos para tener en cuenta. En esta primera entrega sobre afinación, voy a hablar sobre los pasos básicos para lograr afinar tu tambor. Aunque seas un baterista principiante, el que tu batería suene bien, te hará destacarte del resto. Arrancamooossss.

La regla básica para afinar un tambor es estirar el parche de forma uniforme. Todos los tornillos deben tener la misma presión. de esta manera, tu resultado será más próximo a un sonido equilibrado. 



Vamos por partes:

1. Aflojá todos los tornillos sin sacarlos del tambor y apretalos con la propia mano hasta donde puedas. Tratá de hacer la misma fuerza en todos. A ésto se le llama, regularmente, punto cero.
2. Con la llave de afinación en mano elegí un tornillo y lo ajustas media vuelta en sentido de las agujas del reloj. Yo, personalmente me gusta hacerlo de a cuartos de vuelta en los redoblantes, para conseguir mayor precisión. Ahora vas al tornillo del lado opuesto (ver esquemas) y das la misma media vuelta. Repetí este procedimiento en todos los tornillos siempre como en las ilustraciones. 

3. Terminada la vuelta, repetí el paso hasta que cuando aprietes el centro del parche con el dedo no haya partes arrugadas. Si sólo en un lado hay arrugas apretás ese tornillo solo. 

4. Golpeá con el palillo en el medio del tambor y prestá atención al sonido que produce.

5. Si crees que el sonido es aún muy grave, le das otra media vuelta a cada tornillo, en el mismo orden que en el paso 2. Si todavía no estás a gusto con el sonido, repetí el paso 2 hasta que el redoblante llegue a la afinación que quieras.

6. Cuando ya esté bien. Apretá el centro del parche con un dedo y con la misma llave de afinar dale pequeños golpes en el borde del parche cerca de cada tornillo y fijate que siempre suene igual. 

7. Si alguno suena más grave, lo ajustas un poquito. Si por el contrario, alguno suena más agudo, lo aflojas un poquito. Y si ninguno suena diferente, felicidades!! Tu tambor está afinado. 
8. Ahora, puede ser que al percutir, el tambor resuene demasiado o tire muchos armónicos. Esto lo puedes solucionar aflojando un poco todos los tornillos. Pero si la afinación que le quedo te gusta mucho, puedes apagar esos armónicos con cinta, dampers o geles tipo "MoonGel". De esta manera sacás los ruidos molestos pero conservas el sonido que te gusta.

Ojalá que ésto les sirva y pronto va a haber más post sobre afinación. Saludos y que estén bien.